Arti Grabowski a obtenu son diplôme de maîtrise (MA) avec distinction sous la direction du professeur Antoni Porczak, au département d’art multimédia de l’Académie des beaux-arts de Cracovie en Pologne. Il détient également un diplôme de l’Université Castilla la Mancha à Cuenca en Espagne.

Au cours des quinze dernières années, l’artiste polonais a réalisé plus de deux cents actions d’un fort impact visuel, toutes chargées d’une importante énergie physique, d’un sens de l’humour intrinsèque et d’un sens critique réfléchi. Les actions de Grabowski, à la fois distrayantes, horrifiantes, dérangeantes et jamais ennuyeuses révèlent l’absurde, le chaotique, et l’ironie de la société et du comportement humain.

Son travail a été présenté lors d’un grand nombre de festivals de performance, de théâtre et d’art vidéo en Europe, en Asie, en Amérique du Nord et en Amérique du Sud. Au cours des dernières années, Grabowski a également collaboré avec la troupe de théâtre alternatif ‘Body Snatchers’.

Dana Michel est une chorégraphe et une performeuse basée à Montréal. Avant d’obtenir son baccalauréat en danse contemporaine de l’Université Concordia à la fin vingtaine, elle a été directrice marketing, coureuse de compétition et joueuse de football. En 2011, elle a été boursière du programme danceWEB (Vienne, Autriche) et, présentement, elle est l’artiste en résidence à DanceMakers (Toronto) et à l‘Usine C (Montréal).

Sa pratique combine la chorégraphie, l’improvisation intuitive et la performance et cherche à explorer la notion d’identité comme multiplicité déséquilibrée. Elle travaille à partir des concepts d’alchimie performative et de bricolage post-culturel – privilégiant les moments « live », l’appropriation d’objets, les histoires personnelles, les désirs futurs et les préoccupations actuelles de manière à créer une expérience empathique centrifuge entre elle et les spectateurs.

En 2014, Michel a obtenu le prix Impulstanz pour l’excellence de ses réalisations artistiques et elle a également été mentionnée comme étant une des femmes chorégraphes de l’année dans le palmarès du New York Times.

Née à Zug, Dorothea Rust vit et travaille à Zürich. Elle détient une maîtrise en études culturelles de la Zurich University of the Arts (ZHdK). Le parcours de Rust a débuté dans le domaine de la danse lui permettant de collaborer avec des danseurs, des chorégraphes et des musiciens à New York dans les années 80, au moment où l’esprit du Judson Dance Group des années 60 était toujours présent. Cette expérience a toujours influencé son travail et le fait encore largement aujourd’hui.

Depuis 1986, Rust a élaboré des workshops et des projets de collaborations et a présenté des performances individuelles hors site, au sein de musées et de centres d’art, et dans le cadre de festivals de danse, de musique et de performance, aux États-Unis, en Amérique du sud, en Asie et en Europe. Son travail comprend des performances, des actions, des conférences et des installations.

Rust est également organisatrice et membre du conseil d’administration d’un grand nombre d’événements de performance en Suisse et ailleurs, incluant DER LÄNGSTE TAG, un festival d’art action de 16 heures consécutives à Zürich (depuis 2004, à intervalles irrégulières); GNOM, Group for New Music Baden (depuis 2009); le festival de performance Stromereien de Zürich (2010/2011) et le Delhi Workshop and Performance Day 2013.

Émilie Monnet est une artiste interdisciplinaire mi-Anishnaabe, mi- française, qui a fondé l’organisme ONISHKA en 2011 dans le but de faire la promotion des œuvres performatives résultant de collaborations entre des artistes de différentes cultures et disciplines. Son travail expérimente et crée là où les langues, l’imagination et la mémoire se rencontrent. Par le biais du théâtre et des arts médiatiques, Monnet raconte des histoires qui puisent dans la symbolique des rêves et des mythologies personnelles et collectives.

En 2012, Monnet met en scène Chants de deuil, chants de vie, une performance musicale et théâtrale qui témoigne des empreintes laissées par le génocide sur les communautés autochtones et rwandaises, et ce, en collaboration avec les chanteuses autochtones Odaya et le groupe de musique traditionnelle rwandaise Komezinganzo. Son engagement artistique s’inspire de nombreuses années d‘activisme auprès d’organisations autochtones au Canada et en Amérique Latine ainsi que de sa participation à des projets d’art communautaire avec des femmes judiciarisées et des jeunes autochtones.

Diplômée en 2007 du programme d’interprétation pour autochtones offert par Ondinnok – en partenariat avec l’École nationale de théâtre du Canada (Montréal) – Émilie Monnet a également étudié les arts médiatiques et obtenu une maîtrise en études de la paix et résolution de conflits des universités Deusto en Espagne et Uppsala en Suède.

Originaire des Pays-Bas, Jacqueline van de Geer a traversé l’océan Atlantique en 2005 pour venir vivre et travailler à Montréal. Depuis son arrivée au Canada, elle a eu la chance d’œuvrer au sein de plusieurs compagnies de théâtre et de productions multidisciplinaires incluant Le Pont Bridge, Joe-Jack et John, Nervous Hunter et la Compagnie Mobile Home, en plus de présenter ses performances en solo au Canada et aux États-Unis. Ces expériences l’ont amenée à collaborer avec plusieurs communautés d’artistes de pratiques artistiques diverses telles que la danse, le théâtre et la performance.

Les performances de Van de Geer s’inspirent de thèmes universaux tels que le patrimoine, la famille, la démocratie, la guerre et la politique, sujets qu’elle aborde en usant de l’absurde, d’un brin d’humour noir et d’ironie. Elle tient à se surprendre pendant le processus artistique et aime partager cette excitation face à l’imprévu avec les participants. De cette manière, elle invite le public à faire partie de la performance en direct, de manière non invasive, en s’adressant à eux directement et en communiquant avec eux comme s’ils étaient installés dans son salon. La création d’un espace intime et d’une relation de confiance est au cœur de ses performances artistiques.

Jean-Philippe Luckhurst-Cartier est un artiste multidisciplinaire qui pratique l’art action dans une perspective de médiation, d’appropriation et de dérives historiques et quotidiennes. Les contextes dans lesquels il œuvre sont en quelque sorte les matériaux premiers de ses performances. Qu’ils soient révélés par le biais d’objets trouvés, d’installations, de peintures ou de manière performative, les environnements qu’il explore deviennent autant des réflexions personnelles micropolitiques ou potentielles des lieux publics et intimes qui nous habitent.
Son travail a été largement présenté au Québec, notamment à Espace Projet, à articule, à Péristyle Nomade, à Cercle-Carré, à la Maison des arts de Laval, à la Maison de la culture Maisonneuve, la Off-RIAP, et bientôt dans le cadre de Folie Culture.

k.g. Guttman est une artiste et chercheuse basée entre Amsterdam et Montréal. Son travail a été projeté, performé et exposé au sein de plusieurs institutions sur la scène nationale et internationale telles que Mediamatic, Amsterdam; le Palais de Tokyo et l’Espace Khiasma, Paris; la Galerie d’art d’Ottawa, le Festival Danse Canada, Art Metropole, Toronto, Tangente et La Centrale, Montréal. Plusieurs de ses œuvres chorégraphiques ont été commanditées par le Canada Dance Festival, Dancemakers, Le Groupe Dance Lab, et l’Université de Sonora, au Mexique. De plus, sa publication Elapse I & II fait partie de la Collection des archives du Musée des beaux-arts du Canada.

Membre de la compagnie Le Groupe Dance Lab, sous la direction de Peter Boneham de 1999 à 2004, Guttman a également été professeure adjointe au département de danse contemporaine de l’Université Concordia à Montréal, de 2008 à 2013. Guttman est actuellement candidate au doctorat en art (recherche artistique) à l’Université Leiden et à la Royal Academy of Art de La Haye, aux Pays-Bas. Sa recherche, recevant le soutien du Conseil de recherches en sciences humaines (CRSH), porte sur les relations entre le colonialisme, la chorégraphie et les interventions in-situ. En 2016, kg sera une artiste invitée au Musée des beaux-arts de l’Ontario, à Toronto.

L’artiste remercie Martine Viale, Christian Bujold, Kelly Keenan, Marie Claire Forté et Katie Ward.

Sandra Johnston est une artiste de l’Irlande du Nord qui pratique depuis 1992. Son travail combine performances in-situ, installation vidéo et dessins et propose souvent des approches alternatives à considérer à la suite de traumatismes, et ce, particulièrement en relation avec les concepts de lieu, de témoignage et de communication empathique. Ses actions performatives sont improvisées directement sur les lieux, généralement à l’aide d’objets trouvés. De cette manière, ses actions évoquent les souvenirs d’un moment oublié; elles sont imparfaites, inexactes et silencieuses.

Depuis 2002, Johnston est impliquée en tant que chercheuse et professeure au sein de plusieurs universités. Elle a notamment été la détentrice d’une bourse de recherche AHRC Research Fellowship de l’Université de Ulster à Belfast, pour son projet sur les traumatismes liés au lieux. En 2007, elle a été la professeure invitée ‘Ré Soupault’ à la Université Bauhaus à Weimar. Présentement, elle est maître de conférence à l’Université Northumbria en Angleterre. En 2013, elle a publié un projet de recherche intitulé « Beyond Reasonable Doubt: An Investigation of Doubt, Risk and Testimony Through Performance Art Processes in Relation to Systems of Legal Justice » avec LIT à Munich. De plus, elle cofondatrice et membre de plusieurs centres d’artistes à Belfast, notamment CATALYST ARTS, BBEYOND, and AGENCY.

Sylvie Cotton proposera chaque soir, à l’heure de l’apéro, une action participative de courte durée pour laquelle elle donnera les instructions précises à 18h. Depuis 2001, Cotton a eu régulièrement recours au travail à l’aveugle et à l’usage du silence pour mettre en forme et en pratique des performances hors-les-murs en solo ou en duo. Elle investira une fois de plus ces conditions sensorielles particulières mais dans la situation plus étendue d’une assemblée captive et en renversant la commande : à vous de pratiquer! À partir de cette consigne de base, elle proposera chaque soir une variation immersive qui deviendra chorégraphie.

Sylvie Cotton s’inspire des situations ordinaires, tragiques ou magiques qu’offre la vie pour les expirer dans le champ de l’art, très simplement et le plus directement possible. C’est d’ailleurs ce qu’elle aime faire à l’art et que l’art aime lui faire dire: montrer les choses telles qu’elles sont, sans trop de manipulations, et apprécier le fait que les circonstances de l’existence (rencontres, hasard, accidents, imprévus) sont elles-mêmes, très souvent, naturellement esthétiques. Autrement dit, l’art permettrait de révéler la vérité, ou, selon l’une de ses propres formulations « L’art consiste à montrer ce que l’on cache ».

Pour réaliser ses œuvres, qu’elle nomme le plus souvent projets parce qu’elle les considère en constante mouvance, Sylvie Cotton fait appel à diverses formes artistiques : performance et art action, dessin, photographie, résidence, installation et écriture (aphorismes et schémas). La forme choisie épouse les nécessités ponctuelles des projets, lesquelles incluent souvent des personnes grâce auxquelles peuvent coémerger la dimension vivante et vibrante de l’œuvre.  « Sans l’autre, il n’y a pas d’œuvre. Le présent et les autres, c’est tout ce qu’on a. Un artiste n’est rien sans l’altérité qui l’interpelle et l’éveille au monde, qui justement l’altère et le désaltère. »